"Charada" vs "La verdad sobre Charlie"

"CHARADA" (1963) Título original: "Charade" Duración: 114 minutos Nacionalidad: USA Género: Comedia de suspense
Director: Stanley Donen Guión: Peter Stone Música: Henry Mancini Fotografía: Charles Lang Jr. Montaje: Jim Clark Intérpretes: Cary Grant, Audrey Hepburn, Walter Matthau, James Corburn, George Kennedy, Ned Glass

SINOPSIS:

Una mujer vuelve de una pequeñas vacaciones en una estación de esquí dispuesta a pedir el divorcio a su marido, pero cuando llega a París se encuentra con que éste ha sido asesinado. Las sospechas, según la embajada americana, recaen en 3 hombres que buscan un dinero que aparentemente tenía su esposo, pero que en realidad pertenece al gobierno de los Estados Unidos.

OPINION:

Deliciosa comedia de suspense protagonizada por una pareja insuperable como Cary Grant y Audrey Hepburn y con numerosos secundarios de lujo, entre ellos Walter Matthau. Dirigida por un Stanley Donen en plena forma que homenajeó en clave de comedia las películas hitchcocknianas y una gran referencia para la comedia de los 60. La edad de Grant no es óbice para hacer creíble su personaje y Audreu Hepburn estaba en pleno apogeo de su estrellato. Su éxito dió pie a otra película del mismo estilo, tres años después, con el mismo director y otra pareja de altura como eran Gregory Peck y Sophia Loren, inferior a esta pero dístraida y titulada "Arabesco" . La historia es una intriga con giros de guión para engañar al espectador sin saber la verdadera identidad del personaje interpretado por Grant. Esto unido a la gran química entre los actores y aliñado con dosis de humor efectivas nos da una gran película.

Una película, de esas que hace Hollywood, para el gran público sin importar la dosis de realidad que pueda tener. Solo es necesario lanzarse a la piscina y disfrutar de la trama y pasar un rato divertido. Eso sí, todo realizado magistralmente desde la dirección a la música de Henry Mancini, pasando por esos maravillosos títulos de crédito.

VALORACION:

"LA VERDAD SOBRE CHARLIE" (2002) Título original: "The truth about Charlie" Duración: 104 minutos Nacionalidad: USA Género: Suspense

Director: Jonathan Demme Guión: Jonathan Demme, Peter Stone, Steve Schmidt, Jessica Bendinger Múisca: Rachel Portman Fotografía: Tak Fujimoto Montaje: Carol Littleton Intérpretes: Mark Wahlberg, Thandie Newton, Tim Robbins, Agnés Varda, Charles Aznavour, Stephen Dillane, Lisa Gay Hamilton, Ted Levine, Christine Boisson, Magali Noel, Joonq-Hoon Park

SINOPSIS:

Regina Lambert (Thandie Newton) conoce al encantador Joshua Peters (Mark Wahlberg) mientras está de vacaciones en Martinica pensando en poner fin a su matrimonio con el enigmático Charlie (Stephen Dillane). Pero, a su regreso a París, descubre que tanto su cuenta corriente como su piso están vacíos y que su marido ha sido víctima de un misterioso asesinato.

OPINION:

Con un vistazo a los créditos de la película, descubrimos que el director es Jonathan Demme. No solo la dirige sino que la co-escribe. Este señor, para los no muy documentados, es el director de aquella película tan famosa y galardonada titulada "El silencio de los corderos". Con otro vistazo a la filmografía de Demme, nos damos cuenta que no tiene grandes películas, es más, que no tiene buenas películas. ¿Casualidad lo de Lecter? Para el que escribe, con riesgo de ser lanzado a los leones, ni siquiera "El silencio de los corderos" le pareció una gran película. El remate final para considerar al señor Demme como un director del montón viene con este film. El riesgo de hacer un remake de un gran clásico es que aunque te salga bien puede ser destruida por la crítica con ferocidad y sin miramiento por la simple comparación. Que no tema el señor Demme, esta película no se puede comparar con el clásico porque no se sabe que clase de híbrido le salió. ¿Es una comedia? ¿Una de suspense? ¿Una romántica? No lo sé. Solo se que es horrible. Existen las pelis malas, las buenas y las que ni siquiera tienen alma. Salió todo mal desde el principio. Desde la elección misma de los protagonistas con ¡Mark Wahllberg! haciendo de Grant y ¡Thadie Newton! de Hepburn hasta Tim Robbins. Que pocas ganas y que poca química. ¿Sabían acaso el bodrio que estaba saliendo?

¿Que carajo estamos haciendo en esta película?

Conforme pasa el metraje a uno le va interesando menos lo que pasará con los protagonistas. A la falta de química se le une un guión sin chispa y un director que parecía pretender más hacer un film de autor. A Jonathan Demme se le fue de las manos el proyecto o más bien nunca lo tuvo en ellas. Híbrido de todo y de nada. Película sin alma e historia que nunca arranca de ninguna manera. Nos quedamos sin el humor para hacer un film de tono serio y con chorradas técnicas para hacerse notar y gritar al cielo que aquí hay un director moderno. Fue un fracaso tanto comercial como de crítica aunque en USA al parecer no tuvo malas críticas. Todavía los críticos de allí le tienen en buena consideración. Crea fama y échate a dormir.

VALORACION:

Cuando el talento es el protagonista

"EL DIABLO SOBRE RUEDAS" (1971) Título original: "Duel" Duración: 90 minutos Nacionalidad: USA Género: Suspense

Director: Steven Spielberg Guión: Richard Matheson Música: Billy Goldenberg Fotografía: Jack Marta Montaje: Frank Morris Intérpretes: Dennis Weaver, Eddie Firestone, Tim Herbert, Lucille Benson, Lou Frizzell, Jacqueline Scott, Gene Dynarski

SINOPSIS:

David Mann (Dennis Weaver) viaja con su coche por una zona desértica y aislada al sur de los Estados Unidos cerca de la frontera con México, cuando adelanta a un camión cisterna viejo y oxidado el conductor parece molestarse porque le persigue. Después de un rato la persecución se convierte en acoso

OPINION:

No se trata de la primera película de Steven Spielberg para el cine, puesto que estamos ante un telefilm. Esto es, un film hecho para la televisión. Pero fue tal el resultado, que los productores no dudaron en dar luz verde al rodaje de más escenas para alargar el metraje y exibirla en salas cinematográficas. Los 74 minutos se convirtieron en 90 y quizá eso haga que se resienta un poco. No lo suficiente, porque aún así estamos ante un magnífico film en el que se observa el talento de uno de los mejores directores de la historia del cine. Fue una revolución en su día el manejo de la técnica y el pulso narrativo en una película sin muchos medios y hecha para ser disfrutada por televisión. Basada en un relato de Richard Matheson y una historia sencilla en su premisa, el acoso que es sometido un conductor por un camionero sin ninguna razón, Spielberg nos sumerge en el terror más realista que puede sucederle a cualquier persona sin explicaciones, sin mostrar el rostro del conductor psicópata.


Desde su magistral comienzo con ese plano subjetivo dentro del coche mientras suena la radio hasta el final, rodado como si el camión fuera una bestia que está agonizando, esta película es un ejemplo de explotar los recursos a la perfección. El camión parece un ser vivo o el propio demonio. Spielberg no le da mucha importancia al conductor que va al volante de la bestia. Solamente nos muestra su brazo en la memorable escena en la que hace gestos para que el protagonista lo adelante sin ningún problema. Al no tener ninguna información sobre el personaje nos sumerge en el verdadero miedo de un ser humano: el miedo a lo desconocido. ¿Quién es? ¿Por qué lo hace?Es el comienzo de la pesadilla en la carretera de David y un viaje a los infiernos para acabar con el diablo. Como hizo después en "Tiburón", la clave está en no mostrar. Y como pasó con esta, la carretera se convirtió en un lugar a temer. Road movie hitchckoniana con un punto kafkiana y un montaje espectacular en una historia narrada como solo un gran maestro podría hacer.

El guión no es ninguna maravilla, lo que convierte a "El diablo sobre ruedas" en una magistral película es su director. Un director que hace olvidar con su talento la sencilla historia y algunas reiteraciones en la trama. Era el comienzo de un cineasta mítico.

El hombre que estudiaba las rocas

HUGH SIMON

Película: "¿QUE ME PASA DOCTOR?" (1972)

Actor detrás del personaje: KENNETH MARS

Personaje: HUGH SIMON

La frase: "¡Antipáticos! ¡Si la envidia fuera tiña se les comería, que son ustedes unos odiosos! ¡Hacerme esto a mí! Se acordarán de una... de una vez para siempre."

La escena: Enredando al señor Larrabee para ganar puntos en la batalla del cheque para financiar sus estudios sobre las rocas.

Perfil: Hombre dedicado al estudio sobre las rocas. Tiene una lucha encarnizada contra el doctor Bannister (Ryan O'neal) para hacerse con el suculento cheque para financiar sus estudios sobre las rocas. Amanerado, por no decir otra cosa, y odioso hará todo lo que esté en su mano para hacerse con el dinero.

Reunión en Der Pizzahaus

Película: "TOP SECRET" (1984)


Canapé: Hay un traidor entre nosotros

(Canape deja una paloma muerta sobre la mesa)

Turifel: Bien hecho, Canapé. Le has dado a la paloma su merecido.

Rococó: ¡Pero que dices so memo! Esta paloma mensajera volaba hacia el cuartel general alemán. Mira.

(Abre un papel que llevaba la paloma)

Rococó: El mensaje: "La resistencia se propone liberar a Flammond el domingo a las 0:00 horas.

Nigel: O sea que el traidor está sentado a esta mesa.

(Dos chicas se acercan)

Chica: Perdón. ¿Tú no eres Nick Rivers, la estrella del rock and roll?

Nick: No, no guapa.

Chica: Seguro que me engañas. ¿Por qué no nos cantas algo?

Nick: Lo siento, pero me habeis confundido con otro. Yo soy... Julito Iglesias.

(Las chicas se van decepcionadas)


Rococó: Esto no me gusta nada.

Nigel: Y a mi me da muy mala espina.

Cafe Olé: ¿Qué quieres decir?

Nigel: Que nada nos prueba que este hombre sea quién dice. Y aún así le pedimos que nos guíe por el interior de una prisión custodiada por alemanes.

Hillary: Nigel, esto es absurdo.

Nigel: Un momento, amor. No nos ha presentado ninguna credencial. Los alemanes ignoraban la situación de nuestro cuartel general hasta que él llegó. Y sabemos que entre nosotros hay un traidor.

Turifel: Nigel, ¿A dónde quieres ir a parar?

Nigel: Qué quizá este hombre en realidad es Julio Iglesias.

Uno, dos , tres...toca la pared

"EL ORFANATO" (2007) Duración: 100 minutos Nacionalidad: España Género: Terror

Director: Juan Antonio Bayona Guión: Sergio J. Sánchez Música: Fernando Velázquez Fotografía: Oscar Saura Montaje: Elena Ruiz Intérpretes: Belén Rueda, Fernando Cayo, Geraldine Chaplin, Roger Princep, Mabel Rivera, Montserrat Carulla, Andrés Gertrúdix, Edgar Vivar Web oficial: http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/guillermodeltoro/elorfanato/

SINOPSIS:

Laura regresa con su familia al orfanato en el que creció de niña, con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados. El nuevo entorno despierta la imaginación de su hijo, que comienza a dejarse llevar por juegos de fantasía cada vez más intensos. Éstos van inquietando a Laura cada vez más, hasta el punto en el que llega a pensar que hay algo en la casa está amenazando a su familia.

OPINION:

El mero hecho de intentar hacer una película de género ya merecería un aplauso. El hecho de lograr una magnífica cinta merece todos los honores. En un país acostumbrado al cine drámatico de posguerra, guerras civiles y comedias torrenteras, tocar el terror deja una sensación de novedad (salvo el mediocre Jaume Balagueró, experto en estas lides) en el paupérrimo panorama cinematográfico español. Supongo que la semana que viene veremos con asombro como una película española sin presupuesto de superproducción americana ocupa el primer lugar de taquilla, esto es, en la preferencia del público español. Para lograr este, para muchos, objetivo imposible porque no se puede luchar contra el imperio americano, se ha necesitado de un amante del género como Guillermo del Toro que apostó sin dudarlo por el guión de Sergio J. Sánchez poniendo tras la cámara a un novato. Un novato que no ha decepcionado y ha dado una clase magistral de como rodar terror sin excesos presupuestarios. Hay escenas complejas que necesitan de un gran trabajo tras la cámara como el juego del un dos tres, toca la pared de Laura con los niños para crear una atmósfera tensa y de terror que Bayona logra de una manera sobresaliente. La magnífica dirección, el guión notable que tenía la misión complicada de encajar la trama para no dejar al espectador decepcionado por un final que no respondiera a lo mostrado durante el metraje, unas interpretaciones intensas, sobre todo la de Belén Rueda (¿Su segundo Goya?) y una música acorde con la atmósfera de tensión y drama que vive la protagonista.

Lo más previsible es que sea comparada con la película de Alejandro Amenábar, "Los otros" . Si bien es cierto que el lugar, los niños y la muerte están presentes en las dos, ahí acaban todas las coincidencias. La trama nada tiene que ver con la otra y el ritmo tampoco. Amenábar apostaba por un ritmo más suave y tranquilo para cortar la respiración del espectador con un puñado de escenas impactantes puestas a lo largo del metraje. Bayona impregna de tensión su película de cabo a rabo, teniendo al público cogido del cuello desde el comienzo hasta el final, sufriendo con el drama de una mujer desesperada por hallar la solución a su pesadilla de fantasmas. ¿Pero hay tantos fantasmas en la vida de Laura? Lo más complicado del proyecto era dejar en el público la sensación de duda, de saber si habían visto una historia de fantasmas o un drama de pérdidas más real que fantástico. Sin duda esto se consigue. El propio Bayona lo resumía así, "queríamos que la película pudiera ser interpretada como historia de fantasmas o como el drama del descenso a los infiernos de la protagonista; que pudiera leerse como un cuento fantástico o como algo que solo está en la cabeza de su personaje principal. Pero lo calculamos todo al dedillo para ni hacer un film demasiado ambiguo o críptico".

Esta película demuestra dos cosas: Una, que lo que diferencia una película buena de otra mala no es la originalidad de la propuesta sino la forma de afrontar la historia con todos los elementos que tienes para ello, desde la dirección a la música o fotografía. Y dos, que el cine español PUEDE y DEBE hacer cine de género, sin nada que envidiar al cine americano. Y que haciéndolo puede llenar una sala de cine sin necesidad de polémicas leyes de cine.

Rescate en las montañas

"LIMITE VERTICAL" (2000) Título original: "Vertical limit" Duración: 120 minutos Nacionalidad: USA Género: Acción/Aventuras

Director: Martin Campbell Guión: Robert King & Terry Hayes Música: James Newton Howard Fotografía: David Tattersall Montaje: Thom Noble Intérpretes: Chris O'Donell, Robin Tunney, Bill Paxton, Scott Glen, Izabella Scorupco

SINOPSIS:

Peter Garret es un joven fotógrafo deportivo atormentado por el sacrificio de la vida de su padre en una escalada para salvar su vida y la de su hermana Annie. Ahora Annie es una experta escaladora integrante de un equipo de ascensión al K-2, pero un error de previsión meteorológica provoca un grave accidente en el que se ve implicada. Peter decide arriesgar su vida junto a otros voluntarios para rescatarla.

OPINION:

Muy entretenida cinta de acción y aventuras que tiene como telón de fondo unas montañas nevadas para dar rienda suelta a las espectaculares escenas que contiene el metraje. Su director, autor entre otras de dos de las mejores películas Bond de los últimos años como son "Casino Royale" y "Goldeneye", sabe servir un cóctel explosivo de emoción e intensidad para mantener al espectador clavado en su butaca hasta el final. El guión contiene los convencionalismos típicos de una cinta de este tipo como el personaje de Scott Glen, el típico expertillo, serio, que va a su rollo y no quiere saber nada de nadie pero Campbell hace olvidar todo esto con una dirección ejemplar para este tipo de producciones. El espectacular comienzo del film insufla a los personajes principales algo más de enteraza dramática y su ritmo contagia hasta los títulos de crédito finales.

Es inevitable hacer comparaciones con la película de Stallone, "Máximo riesgo" , dirigida por un Renny Harlin, después de habernos dado una de cal y otra de arena con "La Jungla 2: Alerta roja" y ese extraño proyecto que fue "Las aventuras de Ford Farlaine" . De hecho la primera secuencia de las dos películas son muy parecidas pero creo que es mejor director Martin Campbell y me parece más conseguida la de "Límite vertical". Harlin consiguió una correcta cinta distraída y la que nos ocupa es más intensa, con los dos hermanos enfrentados desde lo ocurrido al comienzo del film. Los actores, encabezados por Chris O'Donell y Robin Tunney, cumplen y a destacar a Izabella Scorupco que ya trabajó con Campbell en "Goldeneye" como chica Bond. Con eso lo decimos todo.
Para amantes de la acción y la aventura.

Vuelve la buddy cop más ochentera

"HORA PUNTA 3" (2007) Título original: "Rush hour 3" Duración: 90 minutos Nacionalidad: USA Género: Comedia de acción

Dirección: Brett Ratner Guión: Jeff Nathanson Música: Lalo Schifrin Fotografía: J. Michael Muro Montaje: David Zimmerman, Dean Zimmerman, Mark Helfrich Intérpretes: Chris Tucker, Jackie Chan, Max Von Sydow, Hiroyuki Sanada, Yvan Attal, Noemie Lenoir, Roman Polanski Web oficial: http://www.tripictures.com/horapunta3/horapunta.html

SINOPSIS:

En el corazón de París yace un secreto mortal. Del otro lado del mundo, en Los Ángeles, el embajador Han está a punto de divulgar este secreto. Tiene en su poder nueva evidencia explosiva sobre los mecanismos internos de las Tríadas, el sindicato del crimen más poderoso y más conocido del mundo. El embajador ha descubierto la identidad de Shy Shen, elemento clave del vasto anillo del crimen, y está a punto de revelarlo al Tribunal Penal Mundial, hasta que la bala de un asesino lo silencia para siempre. Las Tríadas harán cualquier cosa para asegurarse de que sus secretos permanezcan enterrados, y solamente existe una esperanza para poder detenerlos… El detective Carter (Chris Tucker), del departamento de policía de Los Ángeles, y el inspector chino Lee (Jackie Chan).

OPINION:

En 1998 una película que no contaba para nadie se convirtió en el "sleeper" del año y convirtió a su pareja protagonista en una franquicia para amasar dinero. "Hora punta" fue un bombazo inesperado porque mezclaba con acierto ese olor ochentero del subgénero de buddy cop con la comedia chorra que tan popular hizo a Eddie Murphy, ahora sustituido por un Chris Tucker más desmesurado que su antecesor, y la acción malabarista de Jackie Chan. Las buddy movies unían a dos personajes totalmente diferentes que tenían que trabajar juntos y las desavenencias se covertían en el punto cómico de la historia. Dentro de este subgénero apareció otro, el de colegas de placa policial que tuvo su irrupción a principios de los 80. Una de sus películas más emblemáticas de aquella época fue "Límite: 48 horas" de Walter Hill y quizá hoy en día la más popular sea "Arma letal" de Richard Donner. Esta película y sus antecesoras siguen esa estela, con guiones más o menos trillados pero efectivos, movidos y entretenidos para el público. La clave para que se conviertan en éxitos reside en tener una pareja protagonista que tenga química y caiga bien al espectador. Chris Tucker y Jackie Chan lo consiguen, aunque para el no neófito en cómicos tipo Tucker pueda chocar la desmesura exacerbada del chico.

La peor parte se la lleva Roman Polanski interpretando a un jefe de policía de París, que participa solo en dos escenas que son prescindibles dentro del metraje. Tampoco pasan los años en balde para el bueno de Jackie Chan y se nota la escasa aportación coreográfica del actor en las escenas de acción. Por lo demás, es recomendada a espectadores sin prejuicios que disfruten de películas de palomitas "ochenteras" que solo buscaban divertir y dejar el cerebro aparcado en la entrada del cine porque para eso se hacen los films de evasión, para evadirte de la realidad (la misma palabra lo expresa). Una película honesta en sus pretensiones que no engaña a nadie. Esta trilogía es de lo mejor en la extensa y prolífica carrera de Jackie Chan.

Cine aburrido no, gracias

"Tengo diez mandamientos, los nueve primeros dicen: ¡No debes aburrir! El décimo dice: tienes que tener derecho al montaje final de la película" BILLY WILDER

La virtud más importante en una película es conseguir que el espectador no se aburra. Por eso, no es casualidad que mis directores favoritos sean Steven Spielberg, Alfred Hitchcock y Billy Wilder. Maestros más preocupados por satisfacer y entretener al público, antes que ser venerados por los críticos que atacan la película taquillera de turno de cada fin de semana y trata al espectador como estúpido porque nunca llena la sala de cine donde estrena el director genial que ganó un gallifante en el festival de Chikitistanz. Parece más importante hacer un cine que parece intelectual que serlo verdaderamente. Y si no que se lo digan al señor Hitchcock, vilipendiado por la crítica hasta que el paso del tiempo lo ha puesto en el lugar de honor que le corresponde. "Hoy la obra de Alfred Hitchcock es admirada en todo el mundo y los jóvenes creen (...) que siempre ha sido así. En los años 50 y 60, Hitchcock se encontraba en la cima de su creatividad y de su éxito. Famoso por la publicidad que le había asegurado David Selznick (...), colaboración subrayada por obras como Rebeca, Recuerda o El proceso Paradine, Hitchcock se hace mundialmente célebre cuando produce y dirige la serie de televisión "Sospecha" y después "Hitchcock presenta", hacia la mitad de los 50. POR AQUEL EXITO Y AQUELLA POPULARIDAD, LA CRITICA ESTADOUNIDENSE Y EUROPEA LE HARIAN PAGAR EXAMINANDO SU TRABAJO CON CONDESCENDENCIA, DENIGRANDO UNA PELICULA TRAS OTRA".

El caso contrario sería David Lynch , director adorado por la crítica e ininteligible para el público medio. La palabra ininteligible es de suma importancia para un crítico. Lo hace parecer inteligente (solo es casualidad que las palabrejas se parezcan) frente al espectador que se aburre viendo imágenes sin sentido y que no entiende ni jota (en realidad ni hace falta) de lo que aparece en pantalla. Resulta que el público no entiende el universo complejo diseñado por el director de marras y por eso queda satisfecho con películas sin mucha sustancia como "Con la muerte en los talones". El ácido y genial Billy Wilder dejó para el recuerdo frases dedicadas a esos directores aburridos y tan idolatrados por la crítica como Godard, Antonioni o Ingmar Bergman.

"Comprendo sin dificultad por qué Godard ha podido por sí sólo exterminar varias empresas productoras."

"Antonioni seguro que es un gran director, un gran artista. Pero en lo que a mí se refiere, soy incapaz de mantenerme despierto."

"Sobre Ingmar Bergman debo decir que los críticos no tienen ni idea de lo que está diciendo, pero, pese a todo, les chifla... Existe una asociación internacional de ese tipo de críticos, capaces de extasiarse ante el asno muerto de Cocteau envuelto con telas encima de un piano."

En la película "La noche se mueve" un personaje decía que "ver una película de Rohmer es como ver crecer una planta", crítica al cine lento y pausado del director. Yo no quiero ver crecer una planta, quiero que en cinco segundos a la planta le salgan unos dientes afilados y arranque cabezas a mordiscos. Amo el cine gracias a Spielberg, Hitchcock y Wilder y si solo existieran Fellinis o Rohmers, creo que no pisaría una sala de cine y que este arte se hubiera ido al garete hace mucho tiempo.

"He hecho películas que a mí me hubiera gustado ver. Y yo sólo quiero ver películas que me entretengan."

"No tengo tiempo para considerarme un inmortal del arte. Hago películas sólo para entretener a la gente y las hago tan honradamente como puedo."

"Si el Cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces el Cine ha alcanzado su objetivo."

BILLY WILDER